미국 화가 톱 10

.

1. 길버트 스튜어트 (1755-1828)

약력 : 길버트 스튜어트는 미국의 화가로, 미국 최초의 5대 대통령과 당시 유명 인사들의 공식 초상화를 그린 것으로 가장 잘 알려져 있습니다.

스타일 : 스튜어트는 벤저민 웨스트의 제자였던 런던에서 초상화를 전문으로 하며 신고전주의적인 이상화 스타일을 발전시켰습니다. 그는 피사체의 자세, 의복, 색상, 주변 환경을 주의 깊게 관찰하여 피사체의 성격과 상태를 꼼꼼하게 포착했습니다.

걸작 : 스튜어트의 확실한 걸작은 의심할 여지 없이 "George Washington(The Athenaeum Portrait)"(1796)입니다. 갈색 배경에 정치가 워싱턴을 묘사한 이 작품은 작가가 대상의 아내인 후원자에게 그것을 포기하고 싶지 않았기 때문에 의도적으로 미완성 상태로 남아 있었습니다. 스튜어트는 묘사된 모델의 명성을 활용하기 위해 사본을 만들고 싶었습니다. 그러나 이러한 고의적인 불완전함이 이 작품을 유명하게 만든 이유는 대통령의 얼굴을 강조하기 위해 세심하게 디자인한 것으로 보이며, 권력과 권위가 물씬 풍기는 도덕적 모델로 여겨졌기 때문이다.

 

메리 카사트, 파란 안락의자에 앉아 있는 어린 소녀, 1878년. 캔버스에 유채, 오르세 미술관.

2. 메리 카사트(1844-1926)

전기 : 메리 카사트(Mary Cassatt)는 프랑스에서 상당한 기간을 보내며 드가 밑에서 공부하고 인상파 화가들과 함께 전시한 미국 화가입니다.

스타일 : Cassatt의 독특한 스타일은 전형적인 인상주의 붓놀림과 밝은 색상의 사용을 결합했으며, 종종 전통 일본 예술의 지속적인 영향으로 더욱 풍성해졌습니다. 이 붓질을 통해 그녀는 가정 환경에 '갇힌' 여성들을 자주 묘사했는데, 아마도 여성으로서 그녀가 종종 갇혀 있던 차원을 암시했을 것입니다.

걸작 : 예술가의 가장 유명한 작품 중 하나는 의심할 여지 없이 "파란 안락의자에 있는 어린 소녀"(1878)입니다. 어린 소녀가 작은 개(아마 요크셔 테리어일 수도 있음)와 함께 실내 의자에 앉아 휴식을 취하는 모습을 묘사하고 있습니다. 아마도 거실과 비슷할 것입니다. 이 장면은 마치 잃어버린 어린 시절의 추억을 불러일으키려는 듯 청춘의 여유로움과 여유로움을 담아낸다. 그럼에도 불구하고 그림 속 가구의 탁월함은 대상이 때때로 어른들의 세계에 압도당하는 느낌을 받는다는 것을 암시할 수도 있습니다."

 

존 싱어 사전트, 마담 X의 초상,

1884년. 캔버스에 유채, 2,35mx 1,1m. 맨해튼 메트로폴리탄 미술관.

3. 존 싱어 사전트(1856-1925)

약력 : 미국에 거주하는 화가 존 싱어 사전트(John Singer Sargent)는 19세기의 가장 중요한 초상화가 중 한 명으로 여겨집니다. 그는 전 세계를 여행하면서 베니스와 같은 상징적인 장소를 포착하는 다큐멘터리 스타일의 회화도 진행했습니다.

스타일 : 존 싱어 사전트(John Singer Sargent)는 전통적인 구성 내에서 생생하게 표현된 독특한 인상주의 붓놀림으로 유명합니다. 그의 작품은 초상화 대상의 성격 특성과 그가 야외에서 그린 풍경을 모두 불멸화시켰습니다. 이는 안토니 반 다이크(Anthony Van Dyck)와 디에고 벨라스케스(Diego Velázquez)와 같은 대가들의 가르침을 인상주의적 뉘앙스로 풍부하게 하여 능숙하게 재해석한 결과였습니다.

걸작 : "마담 X의 초상"(1884)을 빼놓을 수 없습니다! 아마도 거장의 가장 유명한 작품인 이 작품은 그림을 직접 의뢰하지 않은 상류층 여성 Virginie Amélie Avegno Gautreau를 묘사합니다. 실제로 작가는 파리 사회에서 화제가 되는 인물을 포착하기 위해 그녀를 모델로 선택했다. 인물의 매혹적인 능력과 눈에 띄는 매력이 그림에 아름답게 묘사되어 그녀의 설화석고 피부와 대담한 데콜타주를 보여주는 대상의 특정한 신체적, 성격적 특성으로 인해 소문이 돌기 시작했습니다. 이러한 독특한 특성으로 인해 작품은 대상의 실제 태도를 효과적으로 전달한다는 점에서 현대 인물화 장르에 속합니다.

에드워드 호퍼, 나이트호크스, 1942년. 캔버스에 유채, 84cm x 1,52m.

시카고 아트 인스티튜트 학교.

4. 에드워드 호퍼(1882-1967)

약력 : Wikipedia에서는 에드워드 호퍼가 "미국에서 가장 유명한 예술가 중 한 명으로 예술과 대중 문화에 지대한 영향을 미쳤다"고 올바르게 기술하고 있습니다. 그는 심오한 고독이 스며든 현대 미국 사회를 진정성 있게 그려내며 미국 리얼리즘의 한 인물로 두각을 나타냈습니다.

스타일 : "미국 리얼리즘"이라는 용어는 19세기 중반에서 20세기 초 사이의 실제 생활을 충실하게 엿볼 수 있는 평범한 사람들의 일상 활동을 묘사하는 것을 선호하는 모든 예술가를 포괄합니다. 그러나 호퍼의 위대함은 이를 뛰어넘었습니다. 그는 인간 경험의 어두운 면을 파헤치고 폭로하여 주제의 심리를 드러냈습니다. 그 결과, 그가 묘사한 사람들은 시대의 병폐에 시달리는 모습을 자주 보여주었고 주변 환경과 단절된 고립된 모습을 보여주었으며, 이러한 모습은 반복적으로 드러나는 빛의 존재로 특징지어지는 경우가 많았다.

걸작 : 위의 설명은 거장의 가장 잘 알려진 작품 중 하나인 "나이트호크스(Nighthawks)"(1942)를 해석한 것입니다. 이 작품은 거리가 텅 비어 있고 소수의 인물들이 모여 있는 늦은 밤 뉴욕의 한 식당을 배경으로 합니다. , 피곤하고 거의 말문이 막혀 그들의 생각에 굴복하여 그들의 영원한 외로움을 깨닫습니다.

 

조지아 오키프, 레드 칸나, 1924년. 유채, 73.7cm × 45.7cm.

5. 조지아 오키프(1887~1986)

약력 : 조지아 토토 오키프(Georgia Totto O'Keeffe)는 주로 예술적 움직임과는 별개로 자연 형태를 표현하는 데 특별한 관심을 기울인 작품을 쓴 미국 화가였습니다. 그녀는 종종 꽃과 풍경을 그렸는데, 그 중 일부는 개인적으로 방문한 적이 있었습니다.

스타일 : "미국 모더니즘의 어머니"로 불리는 O'Keeffe는 자연 세계의 추상화에서 종종 구체화되는 감정을 전달하는 방향으로 예술적 탐구를 주도했으며, 주로 다양한 꽃 종을 매우 세밀하게 클로즈업하는 형태로 표현했습니다.

걸작 : 작가의 가장 상징적인 작품 중 하나는 "빨간 칸나(Red Canna)"(1924)로, 그녀의 문체적 독특함을 명확하게 보여 주는 그림이지만, 이 경우에는 그녀의 작품에 자주 등장하는 꽃인 칸나 백합을 대상으로 하고 있습니다. O'Keeffe는 그녀가 이 식물을 어떻게 보는지 보여주고 싶다고 말함으로써 그녀의 관심을 정당화했지만, 많은 비평가들은 그것을 여성의 형태에 대한 친밀한 묘사에 대한 명확한 암시로 해석했으며, 예술가 자신은 나중에 그녀가 공유하지 않았다고 선언한 관점이었습니다.

그랜트 우드, 아메리칸 고딕, 1930년. 비버보드에 유채, 78cm × 65.3cm. 시카고 미술관, 시카고.

6. 그랜트 우드(1891~1942)

약력 : Grant DeVolson Wood는 지역주의와의 연관성으로 잘 알려진 미국 화가였으며 주로 미국 중서부의 시골 지역을 묘사한 그림으로 유명했습니다. 그는 특히 "American Gothic"(1930) 작품의 창작으로 유명합니다.

스타일 : 지역주의 운동에 따라 Wood는 앞서 언급한 농촌 주제를 현실적으로 표현하는 데 자신의 예술적 경력을 바쳤으며 그들을 현장의 노고의 증인으로 묘사했습니다. 이는 북부 르네상스 예술의 명확성과 아르데코 디자인의 유기적 곡선이라는 두 가지 독특한 스타일을 "인용"함으로써 달성되었습니다. Wood 작업의 다른 특징으로는 보는 사람의 마음을 사로잡기 위해 고안된 복잡한 형식적 구성과 종종 독특한 관점을 사용하는 것이 있습니다. 그러나 이 모든 것 뒤에는 대공황 시대의 병폐를 폭로하려는 구체적인 비판적 의도가 있었습니다.

걸작 : 앞서 언급한 20세기 미국 회화의 전형적인 상징 중 하나로 인정받은 작품인 '아메리칸 고딕'으로 돌아가 보겠습니다. 이는 장르 장면의 장르에 속하며, 이 경우 Jan Van Eyck의 플랑드르 르네상스의 예를 연상시킵니다. 그러나 Wood는 아마도 아이러니하게도 후자로부터 차용하여 "아메리칸 드림"이라는 보다 대중적이고 수출된 이미지와는 거리가 먼 지방적이고, 알려지지 않고, 고립되고, 후진적인 미국을 상징하는 한 쌍의 청교도를 묘사합니다.

 

잭슨 폴록, 가을 리듬: 30호, 1950년. 캔버스에 에나멜, 266.7 × 525.8cm. MET, 뉴욕.

7. 잭슨 폴록(1912~1956)

전기 : 미국 화가 폴 잭슨 폴락(Paul Jackson Pollock)은 추상 표현주의 운동의 핵심 인물로, 드리핑 기법을 독특하게 사용하여 지울 수 없는 흔적을 남겼습니다.

스타일 : 앞서 언급한 드리핑 기법은 작가가 1940년대 후반부터 사용하기 시작한 것이 바로 폴록의 작품을 유명하게 만든 것입니다. 이 기술을 통해 Pollock은 페인트가 튜브나 페인트 캔에서 땅에 놓인 캔버스로 직접 떨어지는 것을 허용했습니다. 이 방법에 따라 미술사에서 가장 급진적인 추상 스타일 중 하나가 등장하여 색과 선을 혁명적으로 분리하여 드로잉, 페인팅 및 회화 공간을 재정의했습니다. 기술과 본능의 연관성을 밝히기 위해 폴록의 물방울이 그림이라는 물리적 행위의 자연스러운 충동에서 비롯되어 완성된 작품이 몸짓의 정서적 힘을 전달한다는 점에 주목할 필요가 있다.

걸작: "가을의 리듬: 30번"(1950)! 이 작품은 검정색 페인트의 선형 구조를 통해 만들어졌으며 그 위에 다양한 색상의 추가 페인트 스트립을 적용하여 두껍고, 얇고, 밝고, 어둡고, 직선, 곡선 등을 형성했습니다. 제목에서 알 수 있듯이 특히 흙빛 톤을 통해 가을의 분위기를 연상시킵니다.

 

로이 리히텐슈타인, Whaam!, 1963. 아크릴, 유성 색상, 마그나, 1,7mx 4m. 테이트 모던.

8. 로이 리히텐슈타인(1923~1997)

전기 : Roy Fox Lichtenstein은 미국 예술가이자 팝 아트 운동의 저명한 인물로 Andy Warhol, Jasper Johns, James Rosenquist와 같은 예술가들과 함께 팝 아트의 스타일과 주제에 깊은 영향을 미쳤습니다.

스타일 : 로이 리히텐슈타인(Roy Lichtenstein)은 1960년대부터 만화 세계에서 큰 영감을 받아 기계적 복제와 손으로 그린 요소의 융합을 통해 구현한 성숙한 스타일로 주로 알려져 있습니다. 이러한 맥락에서 그의 가장 독특한 문체적 특징은 상징적인 Ben-Day 점의 사용을 통해 빛을 발하며 팝아트가 광고에서 영화, 특히 만화에 이르기까지 시대의 모든 측면을 필터링할 준비가 되어 있었음을 보여줍니다.

명작 : "읭!" (1963), 미국 전투기가 적 항공기를 미사일로 격추시키는 만화 패널을 재현한 그림. 독특한 만화 언어를 유지하면서, 승리한 조종사의 말을 명시적으로 보여주는 패널로 예술 작품을 풍성하게 하고, 폭발음은 의성어 "WHAAM!"을 통해 전달됩니다. 그러나 여기에 설명된 것은 단지 리히텐슈타인의 상상의 산물이 아닙니다. 1963년 걸작은 "All-American Men of War" 89호에 등장한 만화가 Irv Novick이 그린 1962년 패널을 예술적으로 각색한 것이기 때문입니다. "

 

앤디 워홀, 캠벨 수프 캔, 1962. Polimero sintetico su tela, 51×41cm. 뉴욕 현대 미술관.

9. 앤디 워홀(1928~1987)

약력 : 앤디 워홀(Andy Warhol)은 회화와 실크스크린뿐만 아니라 사진, 조각, 영화, 음악(그는 상징적인 음반 표지를 만들었습니다)을 통해 운동의 스타일과 이상을 표현한 최고의 팝 거장입니다.

스타일 : 주로 예술적 표현, 광고, 유명인 문화 사이의 관계를 탐구하는 워홀의 작품은 생생한 색상과 강박적으로 반복되는 주제를 사용하여 이러한 주제를 다루고 있습니다. 그는 한 시대의 상징을 소비자 사회가 선택한 영원한 신과 같은 시대를 초월한 아이콘으로 변화시키는 것을 목표로 삼았습니다.

걸작 : "캠벨 수프 캔"(1962), 동명의 캠벨 수프 캔을 묘사한 32점의 그림으로 구성된 설치 작품. 예술가는 슈퍼마켓 제품의 산업적 연속성을 기록하기 위해 이 주제의 배열을 선반에 전시하도록 특별히 고안했습니다. 앞서 언급한 연속성은 걸작의 주제뿐만 아니라 실행에도 존재합니다. "캠벨 수프 캔"은 반기계화된 실크스크린 인쇄 기술을 사용하여 만들어졌으며 예술 작품의 재현성이라는 개념을 강조했습니다.

 

바스키아, 무제, 1982. 캔버스에 아크릴, 스프레이 페인트, 오일스틱, 183.2 cm × 173 cm.

10. 장 미셸 바스키아 (1960-88)

약력 : 장 미셸 바스키아(Jean-Michel Basquiat)는 그래피티 아티스트로 시작하여 나중에 지하철에서 미술관으로 그래피티 언어를 가져온 신표현주의 운동의 저명한 인물 중 한 사람이 된 미국 예술가입니다. 바스키아가 앤디 워홀과 자주 연관되는 이유는 무엇입니까? 젊은 예술가에게 뉴욕의 유명한 갤러리의 문을 열어준 것은 후자와의 만남이었다는 점을 강조하는 것이 중요합니다!

스타일 : 바스키아의 예술은 두 가지 별개의 세계, 즉 보다 전통적인 의미의 회화인 붓의 세계와 주로 양식화된 그림과 글로 표현되는 독특한 그래피티 언어의 대변인인 스프레이 캔의 세계의 만남을 나타냅니다. 이 조합은 예술가 시대의 문화에 대한 언급이 풍부하고 인종차별과 사회적 불평등에 대한 명시적인 비난이 풍부한 표현 스타일을 생성하며 때로는 부분적으로 추상적이기도 합니다. 부자와 가난한 자, 흑백뿐만 아니라 예술가가 자신의 내면 세계와 외부 세계를 병치하도록 이끈 지속적인 탐구는 표현주의와 친화력을 갖게 되었고 인간의 모습과 그 존재의 병폐에 높은 관심을 갖게 되었습니다.

명작 : 앞서 언급한 양상은 두개골을 그린 그림인 "무제(바스키아 두개골 그림)"(1982)에서 찾아볼 수 있는데, 불과 1년 전 바스키아가 만든 작품과 비슷한 주제로, '무제(바스키아 해골 그림)'를 지칭한다. )"(1981). 우리 피부 밑에 무엇이 있는지 알려주는 두 가지 모두 삶의 내면과 외면을 캔버스 위에 공존시키며 전달하는 능력이 있는 것 같습니다.